ESSAY – 池田久司建築設計事務所

ESSAY

大阪府茨木市を拠点に関西全域および全国各地で活動する一級建築士事務所です。

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2026年2月25日

【月イチエッセイ】１年経過

ブログページを振り返ってみると、【月イチエッセイ】を始めてから丸一年になることに気づく。SNS全盛のこの時代だが、少しピークを過ぎている気もしている。アルゴリズムがアルゴリズム過ぎて、もういいよ、と言いたくなるのだ。私にはアルゴリズム体操くらいがちょうど良いのである。２年ほど前、インスタグラムを見ていると「頭の大きい人用の帽子」の広告が頻出するようになった。どうして知っているのだろう、私に合う帽子がないことを。「頭　大きい　帽子」で検索をしたことがあっただろうか。記憶にはない。その夏、私はシンデレラフィットのキャップを手に入れた。そんな世の中で、わざわざ見に来てもらわないと読んでもらえないブログを始めた。シゴデキなアルゴリズムのいない世界。なんともすっきり、心地の良い空間である。投稿マメな建築家もおり、それはそれで尊敬しているが、そもそも建築物は施主のものであるし、ジャンジャカ写真をネットに上げることには抵抗がある。そんな訳でSNSの投稿頻度はかなり少ないが、このエッセイは月一の締め切りを設けているためか、なんとか続いている。テーマは自由、なはずだが建築をテーマにした記事が多い点は反省である。本当は人となりを知ってもらいたくて、始めたのだけれど、引き出しの少なさは致し方ない。ただ、こうして文章を書くというタスクを課すことで、頭の中を整理することには役立っているような気はする。アルゴリズムは私の頭のサイズを当てたけれど、頭の中の整理まではしてくれないようだ。そこは月に一度、自分でやるしかないらしい。

2026年1月25日

【月イチエッセイ】意味の意味

先日、Xでこのようなポストを見かけた。フランス人のエンジニア（日英も喋れる）と打ち合わせ中、話が脱線して彼が日本の好きなエンタメについて語り始めたんだけど、「PPAPは日本人たちが思っているよりもずっとおもしろい。過小評価されている。英語圏の人が初めてあれを観たとき、誰しも息ができなくなるんだ」と熱弁された— demio (@ganko_na_yogore) December 16, 2025 ピコ太郎（古坂大魔王）がPPAPで世界的にバズってから、もう１０年が経とうとしている。しかし、いまだにSNSで話題に上がるほどその歌詞とメロディーは印象的だった。誰もが口ずさみたくなる「ペンパイナッポーアッポーペン」という歌詞。もしこれが単に心地よいパ行を中心とした音の並びに魅力があるのだとしたら、「パンペロピッピーポンプカタン」でもその面白さは損なわれないのかも知れない。しかし、皆さんも感じるように「パンペロ…」は笑えない。そこには意味がないからだ。「ペンパイナッポー…」は全くナンセンスだが、口ずさみたくなる音の連続に「筆記用具・南国の黄色い果物・赤い果物・筆記用具」という意味があり、そこが何故だか（特に英語圏の人々に）面白く、惹きつけられてしまうのだ。ヘンテコな音の並びに、意味のない意味がある。意味の作用によって私たちは何億回もこの動画を再生したのだ。大阪弁の面白さを伝える「チャウチャウ」の言葉遊びもこれと同じ現象だろう。さて、建築である。一昨年から建築の勉強会をするようになり、設計することとは一体何だろうと考えることが多くなった。建築の意味って？近代以前であれば、その様式や装飾にはそれぞれ固有の意味が象徴的に込められてきた。部分に注目すればオーダーやステンドグラスなど、ビルディングタイプではその用途に応じた様式が選ばれてきた。意味が通用するのは、その意味するところが共有されているからである。様式や装飾の持つ意味を知識として知っていることが建築家の職能の一つであったし、建築主もその意味を理解できる教養を持っていることが前提となる。近代以降、社会や経済の構造が大きく変化する中で建築もまた変遷した。その流れの中で様式や装飾が徐々に排除されていった訳だが、そこには建築の大衆化が一つのきっかけになったのではないかと思う。教養豊かな上流階級から、切実に機能を求める大衆へと建築の対象が変わる中で様式や装飾の持つ意味が共有されなくなり、やがて建築教育からも外されていく。建築から意味が消えたのではないか。その後、ポストモダンが象徴や記号を通して意味を回復しようとしたが、もはや共有されない意味を背負った様式はただの無用の長物となり、早々に廃れてしまった。では、現代建築に意味は必要ないのだろうか。そうではない。ただし、意味を象徴として与えようとした瞬間、建築は弱くなると感じている。設計の中で実際に行っているのは、意味を込めることではない。寸法と物質の操作だ。壁と壁の距離、天井の高さ、光の入り方、物と物の位置関係。図面を描いているとき、これは何を象徴しているのか、など考えていない。むしろ、椅子の位置が10センチ動くだけで、人の振る舞いが変わってしまうことの方が気になっている。それらを調整し、空間の関係を確定していくことで、人のふるまいは、ある方向に傾き、また別の方向に開かれる。そのとき立ち上がるのは、「これは何を象徴しているか」という理解ではなく、この場所では、なんとなくこう振る舞ってしまう、という身体的な反応である。意味は、あらかじめ用意された答えではなく、物と物の位置関係から読み取られてしまうものだ。現代建築に必要な意味とは、象徴として与えられるものではなく、物と物の位置関係から読み取られる、ふるまいの可能性なのではないだろうか。建築家の仕事は、意味を語ることではなく、意味が立ち上がる手前の状態を、空間として成立させることだと思っている。それは分かりやすさからは少し遠い。しかし、意味を「説明できるもの」にしすぎた建築ほど、驚くほど早く読まれ尽くしてしまう。長く使われ、何度も読み替えられる建築は、意味が立ち上がる手前の緊張を、空間として保ち続けているのではないだろうか。

2025年12月25日

【月イチエッセイ】アトラトル

アトラトル（Atlatl）は、先史時代に使われていた槍投げ用の道具だ。槍の後端を引っかけて振り出すことで、腕の長さを延長したような効果を生み、少ない力でも槍を速く、遠くへ投げることができる。人の身体能力を拡張し、投擲の精度と到達距離を大きく高めた、シンプルながら本質的な道具である。建築家仲間4名で主催している建築レクチャーイベントの、今年度の最終回を開催した。幹事が持ち回りでゲストをお呼びし、1作品を1時間かけてじっくり話してもらうというもので、大トリにはランチ！アーキテクツの和田寛司さんをお迎えした。和田さんは設計だけでなく施工も行う建築家で、3年かけて完成したご自邸「KPD」には、内覧会にもお邪魔させていただいたことがある。設計施工というと大手ゼネコンをイメージしたり、大工の棟梁が家を建てていた時代のことを思い浮かべたりするが、和田さんの取り組みは全く別の枠組みのように思えた。彼は職人と素人の間にいる、セミプロ（職人でもあり、別分野のプロでもある）たちとの協働の中で建築を立ち上げている。KPDでは、ご自身以外の施工者には図面を見せずに、対話から空間を創造したという。いわゆる建築教育を受けていないセミプロたちが肌で感じた空間性が和田さんに宿り、設計と工事が同時に進んでいくのだ。このレクチャーを聞いていて、アトラトルを思い出した。自分の身体だけでは届かない距離に槍を投げるための道具だが、どこか身体の延長のようにも思える。和田さんの取り組みは、セミプロ達が参加することで、建築家の手足が長く伸び、見えないものが見えるように、届かないところまで手が届くようになっているのではないか。単なるコラボレーションとは異なる怪しさと魅力を感じる建築は、そうして生まれたのかと、内覧会での体験とつながった。和田さんは怪談蒐集家という一面も持っている。KPDもKAPPA DIMENTIONの略だそうで、なるほど、確かにあの空間は河童たちにしか作れないだろう。

2025年11月25日

【月イチエッセイ】YOUNG ARCHITECTS CONFERENCE

先週末、YOUNG ARCHITECTS CONFERENCE 2025-2026 に参加した。YAC は日本と海外の若手建築家の交流を目的とした展覧会で、2019 年に始まり、今回で 3 回目を迎える試みだ。初回の 2019 年は、私とバンバタカユキを中心に、学生時代の後輩たちと共に立ち上げた。大量のデータを取りまとめながら、現地の大学関係者や建築家の協力を得て、ようやく成功へとこぎつけたのを覚えている。会場に入ると、出展者たちの写真がずらりと並んでいた。「世界には、自分と同じ志で頑張っている人がたくさんいる」。頭では分かっていたはずのことが、こうして顔とともに並んでいるのを見ると、ああ、確かにいるんだなあ、としみじみと思い入る。展示作品は 58 組。スターアーキテクトの巨大建築とは異なる、住宅やインテリア、リノベーションといった、生活に寄り添う規模の仕事がほとんどだ。ドイツ側では、北京の住宅「Peach House」を展示していたFrederic Schnee さんの作品が印象に残った。レンガの扱い方や色味の混ぜ方、ファサードの構成が巧みだ。敷地は中国・北京にあり、入念なリサーチから建築を立ち上げているが、地域性の引用に留まらない建築家の個性が滲み出す作品であった。一方で私が自作を紹介すると、ドイツの建築家は「敷地の小ささ」や「壁の薄さ」に驚いていた。文化の背景が違えば、驚くポイントも違うのだ。作品を見比べていると、日本とドイツの建築の違いが浮かび上がってくる。日本の建築は柱や梁をあらわにした“間”の建築。線と面が独立し、それらの関係性から空間が立ち現れる。一方、ドイツの建築は建物全体を一つのボリュームとして捉え、ディテールはミニマムに納め、塊として成立させる。この違いを石を積む文化と柱を建てる文化に帰結させるのは短絡的な気がするが、グローバルに情報が行き交い、表現の平準化が進んでいると思われるこの時代に、こと建築の世界では若い世代の作品にはっきりと地域性が表れていることは興味深い発見だった。また、ドイツでは断熱性能の基準が日本より厳しく、外壁の構造体を露わにしにくいという技術的な事情もある。建築は常に気候・風土・材料といった“地域の必然性”の上に立ち上がる。篠原一男が「民家はキノコである」と語ったように、建築は空から降ってくるものではなく、その場所の気候風土の中から生まれるものだと改めて感じた。展示を眺めながら、「スターだけが建築文化をつくっているわけではない」とふと思った。むしろ文化を静かに押し進めているのは、地域を見つめ、小さな仕事に誠実に向き合っている“若手”たちなのかもしれない。建築家は未来をつくる仕事だが、その未来は、気候や文化、土地の歴史を丁寧に見つめることでしか始まらない。そのことを、58 組の作品が静かに教えてくれた。最後に、YAC を企画・運営してくださっている皆様に心からお礼申し上げます。貴重な機会をありがとうございました。左から第１回（2019年）、第２回（2023年）、そして今回の図録ドイツ3組、日本4組によるプレゼンテーション（撮影：バンバタカユキ）

2025年10月25日

【月イチエッセイ】建築を学ぶということ

建築を学び始めたばかりの学生に向けたショートレクチャーをする機会があり、「建築を学ぶこと」の意味について改めて考えていた。多くの学生が建築士の資格を取ることや格好いい建築をデザインすることを夢見て、建築学科の門を叩いていることだろう。かつての自分を振り返ってみても、「いつかデザイン系の仕事に就きたい」という漠然とした思いの中で建築を学び始めたことを覚えている。あれから２０年。建築を学び、設計し、教える中で少しずつ、建築の世界がもっと広いことがわかってきた。学ぶ時点では抽象的だった建築は、実務に就くとデカくて重いものとして迫ってくる。それは物理的なことだけでなく、責任やプレッシャーといった目に見えない重力も含まれている。何が何だかわからないまま工事は進み建築は立ち上がる。仕事を続けていると徐々に仕組みが見えるようになるのだが、建築のデザインは実に制約だらけだということがわかってくる。この制約を「クリエイティブを縛る足枷」と考えるか、「創造の材料」と考えるか、ここが建築を続けられるか否かの分かれ道なのかもしれない。レクチャーの中ではスヌーピーの名言「配られたカードで勝負するしかないのさ…」を引き合いに出し、予算や敷地、法律、工期など設計者が如何ともし難い条件＝配られたカードと捉えて、手札の中の組み合わせで勝負するのが建築設計であると伝えた。拙作「OQ」というプロジェクトは、その好例である。コロナ禍の最中、テイクアウトに活路を見出そうとする飲食店のために勝手に始めた「OQ」は、高額の屋台の代替となるような応急屋台の提案である。ここでは、安く・早く・簡単にまるで牛丼の売り文句のような屋台を目指し、①ホームセンターで買える材料で、②使える工具はハサミだけ、③誰でも組み立てられるという、３つのカードを自らに課した。その結果「OQ」は既製品の園芸用支柱やラティスを組み合わせ、簡易屋台として完成した。限られた条件が生んだ創作物と言えるだろう。このように建築というものは配られたカードでの勝負である。世界は森羅万象、ありとあらゆるモノと、モノ同士の関係によって成り立っている。建築を学ぶことで、私たちはその関係の網目を読み解く力を得る。さらに、その網を編み直し、新たな環境を創造する手を養うことができる。建築を学ぶということはつまり、世界を読み解く眼と、世界を編み直す手を育てることにほかならないのだ。

2025年9月25日

【月イチエッセイ】いろのいろいろ

先日、建築家仲間４名で主催している建築レクチャーイベントを開催した。ゲストはULTRA STUDIOの笹田さん。このイベントでは珍しい東京拠点の建築家だ。ULTRA STUDIOの建築は、部位を幾何形態に乗せてデフォルメしたような構成と、練られた色使いが特徴である。注目度の高いユニットということもあり、参加者も多く、会場からの質疑応答もいつも以上に熱を帯びた。そこで質問に上がったのはやはり「色」の話。さて、色である。建築家にとって色を操ることは難しい。部屋の広さ、天井の高さ、素材の選択、窓の位置……建築のありとあらゆる部分を決定する際、設計者はその一つ一つに合理的な理由を与えていく。それは建築が設計者の創作物でありながら、所有者はクライアントであることが大きな理由だろう。合意を積み重ねるためには、納得のいく理由を添えることが不可欠である。だから設計は合理で進む。だが色はそうはいかない。合理的な説明も可能ではある（汚れを目立たせるために白を選ぶ、など）が、多くの場合、色は趣味の領域に属し、「何となく、いい」で決まる。そこが建築家を悩ませる。加えて、建築の色は固定されない。昼間と夕焼けでは違って見えるし、絵画のように適切な光を前提にすることもできない。建築は背景であり、じっと凝視されるものではない。そもそも、私の見ている色とあなたの見ている色が同じとは限らない。そういう訳で、色を決める際には周辺環境の色味をピックアップするという手法もよく用いられる。周囲に合わせることは間違いではないというわけだ。なぜか。これは近代化で失われた「集落のあるべき姿」への慕情ではないか。かつては身近な材料で建てざるを得なかったから、自然と同じような形、同じような色の建物が並んだ。近代化によって材料は遠くから運ばれるようになり、勝手に似てしまうことはなくなった。意識的に合わせに行かない限り。私はこの設計態度を「微分・積分建築」と呼んでいるが、その根には、名もなき古典への眼差しがあるのだと思う。現在進めている社員寮プロジェクトでも、色は悩ましい問題だ。無難に無彩色でまとめることもできる。だが屋内に露出する2.7メートルピッチの柱梁を黄色に塗ろうと考えている。奥行きの長い空間に並ぶ構造体を強調し、リズムを与え、5.4メートル間隔で繰り返す要素――キッチンやサイドボード――と和音のように響かせたいのだ。「白って200色あんねん。」色を扱うことの難しさは、その果てしなさにある。

2025年8月25日

【月イチエッセイ】「緑のモジャモジャ」でも「半沢直樹」でもない家づくり

まったく余計なお世話なのだが、インスタグラムを眺めていると、スレッズで話題の投稿が「おすすめ」として表示される。その中でよく目にするのが、現場や図面の写真に「こんなひどいことになっています。これで正しいのでしょうか？」と添えられた投稿だ。コメント欄には「それはひどいですね！」「左側の亀裂のほうがもっと心配です」といった、不安をあおるような言葉が並んでいる。多くの人にとって家づくりは一生に一度の経験である。何も分からないまま、ショッピングモールの緑色のカウンターで相談し、そのまま勧められるままにハウスメーカーと契約する。現代の日本では、それがむしろスタンダードなのだろう。建築家に依頼するのは敷居が高く、そもそも誰に頼めばいいのか分からない。これは建築家の発信力の弱さ、怠慢でもあり、大いに反省すべきところだと思う。もちろん、ハウスメーカーで親切な担当者に出会い、満足のいく家を建てられる方も多いだろう。けれど、スレッズに悩みを投稿する人たちは、そうではなかったのだ。ハウスメーカーとの家づくりの難しさは、クライアントがプロと直接やり取りしなければならないことだ。気軽に頼れる味方がいないまま、孤独な施主はスレッズにいる「どこかの誰か」に悩みを打ち明ける。本当に気の毒な状況である。そして、顔も知らない誰かからアドバイスを受けるのだが、それが信頼できる内容なのかは分からない。結局、堂々巡りになってしまう。建築設計事務所と家づくりをする場合、施主は設計者と「設計監理契約」を、施工者とは「工事請負契約」を結ぶ。設計と施工は利害関係を持たないため、設計者は純粋に施主の味方・アドバイザーとして、図面や現場のチェックを行う。少し例えるなら、裁判における弁護士のような役割だ。施主の要望や不安に寄り添い、施工者との間に入って調整することができるから、匿名の誰かに頼る必要はない。インスタを開くたびにこうした悩み相談を見ると、孤独に家づくりをしている人が多いことを実感し、胸が痛む。だからこそ、これから家づくりを考えている人には「緑のモジャモジャ」や「巨大な半沢直樹」ではない、別の選択肢があることを知ってほしい。そのためにも、私はこれからもコツコツとブログを更新してまいります。

2025年7月25日

【月イチエッセイ】講評会の季節

暑さのピークを迎える頃、大学では講評会の季節がやってくる。今年は、武庫川女子大学と大阪産業大学にゲストクリティークとして参加した。前者では二つの住宅課題を、後者ではオフィスビル課題について、学生のプレゼンテーションを聞き、質問やコメントを返す。うまく切り返せる学生もいれば、フリーズしてしまう学生も。そんな時には助け舟を出す。私が学生の頃、講評会は吊し上げのような時間だったが、今どきのあり方はとてもいい雰囲気になっているなと思う。大学ごとに特色があり、課題の設定や学生のアウトプットも異なる。複数の大学に立ち会えると、その違いがより際立って見えてきて、とても面白い。では、自分がどんなことに着目してコメントしていたかというと、案外、どこでも似たようなことを伝えていた気がする。発表時間が1〜3分と短いこともあるかもしれないが、間取りの細かい話にはあまり触れず、敷地やその周辺環境に対して建築がどのような構えをとっているのか、という点を中心に講評していたことに気づいた。もっと敷地をダイナミックに使ってもよいのではないかとか、住人や利用者を迎える街との境界は、もう少しおおらかに開いてもいいのでは、といった具合である。建築の持つ力のひとつに、人と環境の関係を規定するということがある。建築は環境を取捨選択し、人に空間を提供する。その価値観の多くは設計者に委ねられている。もちろん施主の存在は大きく、設計者はその人の代理であると同時に、依代のようなものだとも言えるかも知れない。村野藤吾が「99％を聞き、1％に託す」と語っている。施主と徹底的に話し合って設計しても、最後の1％には建築家としての判断が残る。その1％にこそ意味がある、と私は思う。学生の提案は図面と模型、そしてCGによって表現されている。細かな間取りの良し悪しは、これからいくらでも調整できるだろう。でも、人や地域や環境に対する構え──つまり、大きなデザインの方向性は、小手先では変えられない。だから、自然とそこにコメントが集中したのだろう。学生に語っているようで、半分は自分への戒めのような時間。偉そうなことを言って本当に実践できているのか、と。明日から襟を正し、猫背を伸ばして姿勢良く、パソコンに向かうことにいたします。

2025年6月25日

【月イチエッセイ】引き出し

「いい空間をつくるにはどうしたらいいんですか」非常勤講師を務める大学の学生にこう聞かれた。「空間の体験を重ねて、それをいつでも使えるように引き出しにしまっておくことだよ」わたしは（ドヤ顔で）答えた。この答え、実は受け売りである。ちょうど通勤電車に揺られながら読んでいた本にホラー小説の巨匠スティーブン・キングのエピソードがあったのだ。ある日、スティーブン少年は叔父のオーレンと共に家の裏にある網戸を修理に向かった。オーレンは大きな道具箱を片手に家の裏手へ回る。作業は簡単に終わり、使った道具といえばドライバー一本であった。スティーブン少年はオーレンに尋ねる。ドライバーだけで済むなら、なぜこんなに大きくて重たい道具箱を持ってきたのか、と。「ああ。でもなスティーヴィ」叔父は屈み込んで道具箱の取っ手を掴みながら言った。「何があるか、ここへ来てみなきゃあわからないからな。だから、道具はいつも、全部持っていた方がいい。そうしないと、思ってもいなかったことに出っくわして弱ったりするんだ」存分に力を発揮して文章を書くためには、自分で道具箱を拵えて、それを持ち運ぶ筋肉を鍛えることである。（スティーブン・キング『小説作法』）このエピソードを読んだとき、「文章」を「建築」に置き換えても同じことが言えると思った。世の中に完全なオリジナリティはなく、新しく見えるものも実は既存の形や概念を組み合わせたり、ずらしたり、つまり編集することによって生み出されているとわたしは考えている。自分の引き出しの中身が少なければ、その組み合わせは貧弱なものになる。一方、引き出しにたくさんの道具があれば、言うまでもなく豊かなアイデアにつながる。小説家にとっての道具が「言葉」だとすれば、建築家にとっては、「空間の体験」がそれにあたる。何も歴史的建造物や有名建築ばかりだけではない。日々の中で出会う、なんだか落ち着くベンチの配置やつい座りたくなる段差、早く立ち去りたいと思わせるお店の雰囲気など。こうした何気ない経験を引き出しにそっとしまっておく。わたしの場合、祖父母の家にあった広縁に置かれた一対のソファや心地よい風が通り抜ける実家の団地の階段が、幼い頃の思い出と共に心地よかった空間としてストックされている。もし読者の中に建築を建てようと考えている方がいれば、建築家に「自分にとって心地よい空間」について語ってほしい。きっとそこから着想を得て、あなただけの特別な空間を構想してくれることだろう。

2025年5月25日

【月イチエッセイ】ダジャレ

5歳の娘が図書館から『いちにちだじゃれ』（ふくべあきひろ作、かわしまななえ絵、PHP研究所、2021年）という絵本を借りてきた。子育て世代なら一度は手に取ったことがあるかもしれない、あの絵本である。「ダジャレに興味を持つ歳になったか〜」と感慨深い。車でお出かけの際には、退屈しのぎにダジャレを考えるゲームをする。車窓から見えるものの名前でダジャレを言い合うのだ。……と言っても、娘はまだダジャレ初心者。うまくダジャレに誘導する必要がある。こちらが先にダジャレを言ってしまうと怒り出すので、決して“答え”を言ってはならない。例えば「道路」をお題にする場合は、「道路、どうろ、どーろ、どろどろ…、うーん、うーん」と悩む様子を見せつつ、イントネーションを“道路”から“泥々”へと変えていく。すると、「どろどろのどうろ〜！」と娘が高らかにダジャレを宣うのである。「蛍の光」（作詞稲垣千頴、原曲スコットランド民謡）の一節に「何時しか時も　すぎの戸を　開けてぞ今朝は　別れ行く」とある。「過ぎ」ゆく時と木材の「杉」を掛けているのだが、昔は「なんだいダジャレかい」と思っていた。ところが近頃は、意味と音のズレを重ねる構成に、大きな意味を感じる。思えば、詩ってそういうことだよね、と。ラジオ番組「アフター6ジャンクション」の映画批評の中で、宇多丸氏がある映画について「編集で韻を踏む」という発想を語っていたのも興味深かった。これって、建築空間でも応用できるのでは？たとえば、構造体のリズムを上下階で繰り返しながら、柱や壁の色を微妙に変化させていくような設計。整然とした繰り返しの中に意図的な「ズレ」を差し込むことで、単なる反復を超えた、詩的な“韻”が生まれる。音楽や言葉に「韻」があるように、建築にもリズムと変化、その「ずれ」が詩的な意味を持つのではないかと感じている。これは実際にプロジェクト内で試みた方法だが、外壁をガルバリウム鋼板の小波板で仕上げた住宅の間仕切り壁と建具に半透明のポリカーボネート小波板を用いたことがある（写真）。ここで住人は波打つ仕上げ材に屋外と屋内で繰り返し出会うのだが、そこで光や触った時の温度など金属板とポリカの間のズレを感じることになる。表面の波打つ形状と同様に面としての形は台形で共通しており、マテリアル＝質感のズレを強調する。建物と建築の違いは、そこに「詩」があるかどうかだと考える池田にとって、「韻」は、今とても興味をそそられるテーマである。そんなことを考えながら、今日も助手席で「くるまがくるまる！」と誇らしげに叫ぶ娘を、「うまい！座布団一枚！」とヨイショするのであった。（撮影：髙橋菜生）